UN MES, UN MÚSICO

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WILLIAM “COUNT” BASIE
Pianista, compositor y director de big band.
1904-1984

Hijo de padres músicos. Su primer trabajo consistió en acompañar a intérpretes de vodevil. La primera orquesta que formó fue “Barons of Rhythm” con Walter Page (bajo), Freddie Green (guitarra), Jo Jones (batería), Lester Young (saxo tenor) y Jimmy Rushing (cantante), quienes se popularizaron gracias a la radio. Tocaron en Kansas, Chicago, Nueva York… Y firmaron varios contratos con Decca Records. Su grabación de “One O’ClockJump” se convirtió en su primer tema en las listas de éxitos en septiembre de 1937; más tarde, tras convertirse en su tema más popular, fue incorporado al Grammy Hall of Fame. A partir de ahí, realizó múltiples giras por el país y deshizo su banda después de la Segunda Guerra Mundial, debido al declive de las orquestas.
Entre finales de los años cincuenta y primeros sesenta consiguió diversos premios y nominaciones en los Grammy. Grabó discos con los más grandes: Ella, Sinatra, Dizzie Gillespie, Oscar Peterson, The MIlls Brothers, Sammy Davis Jr. y un largo etcétera.
Hacia mediados de los años setenta su salud empezó a deteriorarse, tras sufrir un ataque al corazón en 1976. Murió de cáncer de páncreas en Hollywood, Florida en 1984.

Datos curiosos:

  • Recibió clases de piano del mismísimo Fats Waller.
  • Dicen que tenía oído absoluto y que podía repetir al piano cualquier melodía que oyera.
  • En 1934 participó en una batalla de bandas en el Savoy. A un lado, la orquesta de Chick Webb con la voz de Ella Fitzgerald y al otro, la orquesta de Basie con Billie Holiday. ¿Imaginas quién ganó?
  • Fue el primer afroamericano en ganar un premio Grammy.
  • Le acompañaron muchos de los grandes cantantes, pero le quedó la espinita de no grabar junto a Louis Armstrong.

¿Cómo definir su música?
Precisa. Elegante. Sencilla. Grupal.

Le reconocerás por…
… Sus típicas intros de piano y por su “jumping beat”.

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ELLA FITZGERALD Intérprete/cantante
1917-1996
“The first lady of song” 

Datos curiosos:

  • Su origen social era muy humilde y quedó huérfana joven.
  • A los 17 años concursó en el Apolo Theater como cantante (aunque pretendía hacerlo como bailarina). No solo ganó, sino que llamó la atención de varios músicos.
  • Realizó muchísimas colaboraciones con músicos como Chick Webb, Ink Spots, Louis Armstrong o Count Basie.
  • Marilyn Monroe le apoyó para cantar en el Mocambo, un famoso club nocturno donde no dejaban actuar a afroamericanos, lo que supuso un impulso importante a su carrera.
  • Estuvo muy comprometida en la lucha por los derechos civiles y en contra del racismo.

¿Cómo definir su música?
Cálida. Nítida. Un amplísimo repertorio. Fuerza.

Le reconocerás por…
… Su scat, con el que improvisa como si fuera un instrumento más. Además, es fácil distinguir su voz juvenil (más pizpireta, nasal y aguda) de la más madura: en la que canta con gran nitidez y hondura.

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FATS WALLER
Pianista, compositor y cantante
1904 – 1943

Desde muy pequeño aprendió a tocar el piano y el órgano. Y rápidamente se incorporó a formaciones como la orquesta de su escuela y el coro de la iglesia.
Formó grupos como Fats Waller and his Buddies y actuó frente a otros grandes del jazz como Fletcher Henderson y Alberta Hunter.
Participó en giras Europeas durante los años anteriores a que estallase la Segunda Guerra Mundial
Se considera uno de los grandes del jazz y del stride piano (nombre que proviene de la técnica con la que la mano izquierda, al tocar, daba saltos alternado con notas potentes en los tiempos débiles, con acordes en los tiempos fuertes)
Fue un artista muy prolífico y grabó más de 400 canciones
Además de músico era comediante, lo que se puede apreciar en su forma de tocar, donde destaca más la cadencia que el virtuosismo

Datos curiosos:

  • 9 Hamburguesas a cambio de 9 canciones: Uno de sus mayores talentos, fue la velocidad exorbitante con la que escribió su música. Se rumorea que escribió nueve piezas para Fletcher Henderson solo para pagarle nueve hamburguesas comidas una noche en el bar de un mordisco.
  • Otras dos piezas, “Harlem Fuss” y “Minor drag”, nacieron dos horas antes de la sesión de grabado porque el día anterior, Waller, en lugar de organizar las piezas, había pasando la tarde y la noche con beviendo Eddie Condon y se había quedado dormido y borracho hasta la mañana siguiente. (fuente Jazz Piano: The Left Hand di Riccardo Scivales -Bedford Hills, New York, Ekay Music, 2005)
  • Fats en la pantalla grande: Fue caricaturizado en varios dibujos animados de Warner Bros como por ejemplo Tin Pan Alley Cats
    (https://www.youtube.com/watch?v=FlzPQr_IncY) fuente: imdb.com
  • ¿Por qué le llamaban “Fats”?: Thomas “Fats” Waller como otros músicos después de él (Fats Navarro, Fats Domino) fue denominado como Fats (gordo) por su tamaño. 
  • Regalo de Cumpleaños: En 1926 al final de una actuación con su orquesta en el hotel Sherman de Chicago, fue interceptado en los camerinos por unos matones. Le cubrieron la cara y lo sacaron por la parte trasera del lugar, lo subieron a un coche y partieron con rumbo desconocido. Cuando llegaron a su destino, lo metieron en el centro nocturno East Cicero. Fue llevado al salón principal para que tomara asiento frente a un brillante piano e hiciera lo que sabía hacer. Todo era barullo en el lugar, hasta que puso sus manos sobre el teclado y comenzó a tocar un rítmico swing. Cuando su voz surgió, todos se volvieron a verlo y a aplaudirle. Se sintió aliviado y sonrío a sus anchas para cantar como sólo él sabía hacerlo, con esa alegría contagiosa que lo caracterizaba. Fue entonces que vio en la mesa más cercana a un sujeto bajito, con tipo de italiano, quien era el que más le aplaudía. Lo había visto en algunas fotografías de prensa y lo reconoció de inmediato. Un nuevo escalofrío lo recorrió, pero no permitió que se le notara. Aquel hombre de cabello envaselinado e impecable smoking blanco era nada menos que el capo mayor de la mafia de Chicago, Al Capone. Cuando el espectáculo terminó, ue presentado al gangster, quien lo invitó a quedarse en la fiesta, que duraría tres días completos. Al final, recibió un fajo de dólares equivalente a lo que ganaba en un mes. Fats Waller acababa de ser el regalo de cumpleaños de Al Capone.

¿Cómo definir su música?
Comediante, genio del stride piano, invención ilimitada.

Lo reconocerás por…
Los momentos “hablados/recitados” en su canciones, sobre todo al inicio o al final.

Sus Hits:

  • Ain’t misbehaving
  • Handful of keys
  • Honeysuckle rose
  • I’m gonna sit right down and write myself a letter

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BILLIE HOLIDAY
Cantante y compositora.
1915-1959
«Lady Day»

Hija de dos adolescentes afroamericanos, la pequeña Eleonora Fagan (Billie Holiday fue su nombre artístico) nace en el Estados Unidos de entreguerras, en el seno de una familia con mil dificultades, de las que destacan dos: la inmadurez de sus padres y su color de piel.
Negra, pobre y sin nadie quien la atienda (su padre muere por no ser atendido en el hospital a causa de su color de piel y su madre trabaja como prostituta) Billie es internada en un reformatorio católico a los 10 años de edad. En la época, era el castigo que tenía que pagar una niña por el triste hecho de ser violada.
Con una infancia y una adolescencia marcada por penurias e injusticias, a Billie Holiday solo le sacaba una sonrisa la vieja gramola de su madre en la que podía escuchar la fascinante voz del genuino Louis Armstrong.
Tras asentarse en Harlem, Billie Holiday empieza a cantar en numerosos clubs de jazz. En 1932, el productor John Hammond la descubre en el club Monette’s. Con 19 años lanza su primer disco.
En sus primeros años como cantante, graba junto a los mejores músicos de la historia del jazz: Ben Webster, Benny Goodman, Roy Eldridge, Johnny Hodges o Jonah Jones, entre otros. Más tarde, trabaja con estrellas como Lester Young, Count Basie y Artie Shaw, convirtiéndose en una de las cantantes de mayor reputación. Aun así, seguía sin tener permiso para usar la entrada principal antes de aparecer en escena… por ser negra.
En realidad, Billie Holiday no contaba con un gran registro vocal, solo estaba cómoda en una octava. Sin embargo, compensa esa dificultad con un sentido rítmico implacable, una espesura muy particular en el timbre de su voz, una sutil expresión y, sobre todo, su particular emotividad.
Los últimos años de la artista no se salvan de desdichados y polémicos capítulos, en esta ocasión alrededor de las drogas, el alcohol y varios matrimonios fracasados. Muere de cirrosis a los 44 años.
La vida de Billie Holiday fue tan negra como su piel. Sin embargo, su voz es y será siempre sensualidad y emoción en estado puro. 

Datos curiosos:

  • Su tema «Strange Fruit» hace referencia a los negros que aparecían ahorcados en los árboles (frutas raras).
  • No sabía leer partituras. Transformaba cualquier canción con su particular forma de interpretar la música.
  • Tuvo gran influencia sobre Janis Joplin, Nina Simone y Amy Winehouse.
  • Le gustaba llevar gardenias en el pelo.
  • Nadie conoce del todo su vida. En los últimos años se ha comprobado que su autobiografía «Lady sings the blues» está llena de mentiras.

¿Cómo definir su música?
Drama. Ritmo. Emoción. Lucha. Tristeza.

Le reconocerás por…
…Su voz espesa y lánguida, la vitalidad en el comienzo de sus canciones, sus letras sobre dramas vitales, algunos temas en los que su voz está desmejorada (sus últimos años).

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Edward Kennedy “Duke” Ellington
(Washington)
1899 – 1974
“Music Is My Mistress”

Edward Kennedy “Duke” Ellington nació el 29 de abril de 1899 en el seno de una familia de clase media en Washington. Sus padres eran aficionados a la música, y Edward empezó a tocar el piano antes de los 10 años.
Siendo adolescente quiso ser dibujante y cartelista de publicidad, pero su mala disposición para los estudios y el hecho de que se convirtiera en padre antes de cumplir los 20 años hicieron que finalmente se decantara por la industria del espectáculo, para la cual tenía talento musical como compositor y pianista, y dotes como organizador y showman.
En 1923 formó su primer grupo de jazz importante y al poco tiempo se marchó a Nueva York donde, tras algunos reveses iniciales, logró establecerse, primero en el “Club Kentucky”, y después en el legendario “Cotton Club de Harlem” (1928-1931), donde obtuvo fama y reconocimiento internacional.
Compositor camaleónico y de gran personalidad escribió una gran cantidad de música en los más diversos estilos; desde la “música selvática” (llamada así por los sonidos tan peculiares que hacían los instrumentos de viento), hasta composiciones con aspiraciones de música culta (“Black, Brown and Beige” es un ejemplo de este tipo de piezas, se trata de una descripción musical de la historia afroamericana de 45 minutos de duración), pasando por la música hot con aires de Nueva Orleans, la música swing que tocaban las Big Bands de la época anterior a la segunda guerra mundial, o la música ambiental.
 Hombre de personalidad carismática, elegante y elitista, supo rodearse de músicos con personalidad instrumental única y original a los que cuidaba con esmero (algunos miembros de la banda estuvieron con él más de 30 años), y para quienes componía música destacando sus puntos fuertes y omitiendo sus debilidades, dando lugar en el proceso a una de las bandas más importantes de la historia del jazz. De entre todos ellos brillan con luz propia Johnny Hodges (saxo soprano), Ben Webster (saxo tenor), Cootie Williams (trompetista), Jimmy Blanton (contrabajo), y Billy Strayhorn (compositor).
En los últimos años de su vida recibió todo tipo de honores (fue portada de la revista “Time”, su 70 aniversario se celebró en la “Casa Blanca”) y adoptó el papel de embajador honorífico del jazz viajando por Asia, Australia, norte de África, Latinoamérica, Europa occidental y la Unión Soviética.
 Murió de neumonía el 24 de mayo de 1974 en Nueva York. Al final de su vida escribió: “Cincuenta años después, aquí estoy; sigo sacando a esos viejos gatos de la cama para oírlos tocar”. Devolvámosle el favor y escuchemos a este icono de la música popular afroamericana con la misma atención y respeto con los que él escuchaba a su banda.

Datos curiosos:

  • El término Ellingtonia se refiere al universo sonoro de Duke.
  • La figura más original y compleja que ha dado el arte afroamericano.
  • Probablemente el compositor más prolífico del siglo xx
  • Su instrumento era la orquesta entera
  • Ella cantó en su funeral
  • “Algún día todos los músicos de jazz deberían reunirse en un solo lugar, ponerse de rodillas y agradecer a Duke”. Miles Davis

¿Cómo definir su música?

    • Creador de atmósferas complejas
    • Música rica en disonancias
    • Creador de melodías complejas
    • Muchas de sus composiciones no tienen la sencilla estructura AABA
    • Música exótica
    • Música “jungle” (selvática)
    • Sonido propio, sonido Ellington
    • Estilo ambiental (recreación de ambientes)

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Benny Goodman
Clarinetista y compositor. [1909-1986]
«El rey del Swing»

Benny es el noveno de doce hermanos, hijo de emigrantes judíos. Nació en Chicago, donde con 10 años empezó a tocar el clarinete en la sinagoga y en una banda local. A los 12 ya hizo su primer debut profesional, y a los 14 abandonó la escuela para dedicarse exclusivamente a la música tocando el clarinete.
Empezó grabando canciones con Ben Pollack a sus 16 años. Con 20 se trasladó a Nueva York para trabajar como músico independiente, en estudios de grabación o en orquestas de Broadway. También ahí grabó sus primeros éxitos con una orquesta alquilada.
En 1934 decidió formar su propia banda, con la que grabó «Moon Glow» (con Billie Holiday), «Take My Word» y «Bugle Call Rag». Mientras tanto actuó unos meses en el Billy Rose’s Music Hall y en el programa de televisión Saturday night Let’s Dance de la NBC, donde actuaba durante la última hora.
En 1935 se mudó una temporada a Los Ángeles, donde ya era muy conocido y donde tuvo muchísimo éxito en un concierto en el Palomar Ballroom, concierto que se consideró el inicio de la era del swing. Durante ese tiempo grabó con más músicos y cantantes, incluida Ella Fitzgerald y fichó en su banda a Lionel Hampton y Teddy Wilson, con los que hizo la primera aparición pública de músicos blancos y negros tocando juntos en un escenario.
1938 fue considerado el año más popular en su carrera, por el concierto que dio en el Carnegie Hall de Nueva York y que hizo que le empezaran a llamar el rey del swing. Fue además el año donde publicó «Don’t Be That Way», «I Let a Song Go out of My Heart» (cantado por Martha Tilton) y «Sing, Sing, Sing (With a Swing)».
Sus éxitos duraron hasta 1943, año en el que Estados Unidos entró en guerra. A partir de entonces participó en alguna película, trabajó de nuevo en Broadway y se dedicó a la música clásica. 
Murió en Nueva York en 1986, con 75 años.

Datos curiosos:

    • En 1936 fichó a Teddy Wilson para que se uniera a su trío. Fue la primera vez que aparecían en un mismo escenario músicos blancos y negros tocando juntos. 
    • En enero de 1938 se celebró un mítico concierto en el Carnegie Hall de NY que será recordado para siempre por todo el mundo como el inicio de la era del swing.
    • Nunca actuó en España. Siempre rechazó, durante la dictadura franquista, las ofertas para dar conciertos. Después circulaba periódicamente el rumor de su venida entre los ambientes especializados. Rumor que nunca se hizo realidad. 
    • Durante el declive del swing comenzó a interpretar temas de música clásica, sobre todo de Mozart.
    • Fue mucho más conocido en la costa oeste porque su programa de radio de los sábados por la noche sonaba a una hora más temprana y la gente aún no se había ido a la cama.
    • Si queréis escuchar su voz, podéis hacerlo en Gotta Be This or That, cantada por él mismo.
    • El famoso concierto del Carnegie Hall se grabó en directo dando lugar al primer disco doble de la historia y el primero en vender más de un millón de copias.

 
¿Cómo definir su música?
Alegre (Tonos mayores). Instrumental. Enérgica. Brillante. «Fácil» de escuchar.

Le reconocerás por…
El clarinete siempre es una de las voces principales de sus canciones. Apenas tiene temas tristes. La velocidad de sus temas suele ser bastante rápida (a los de balboa les encanta). Estaba obsesionado con la perfección, se nota en sus obras.

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FLETCHER HENDERSON
Pianista y arreglista. [1897-1952]
«El arquitecto del swing»

Pianista y arreglista estadounidense, fue un músico clave para el desarrollo de la “big band”. Henderson procedía de una familia acomodada: su madre era profesora de piano y le inició en el instrumento. Su madre era profesora de piano, su padre y su hermano también eran músicos. Hasta 1920, su único interés musical era la música clásica.
En 1920 se graduó en química y matemática y decidió hacer un postgrado en la Universidad de Columbia de New York, pero se dio cuenta que debido a su color, sus posibilidades de ejercer esta carrera eran muy bajas por lo que se cambió, afortunadamente, a la música, dejando un legado importante.
Fletcher Henderson hizo venir de Chicago a Louis Armstrong, que en aquel tiempo solo era un joven cornetista que había tocado con la banda del maestro King Oliver. Louis Armstrong sólo permanecería con Henderson hasta finales de 1925, pero sería tiempo suficiente para revolucionar el concepto musical de Henderson.
El cerebro de la orquesta era Don Redman, un músico que desarrolló por primera vez conceptos fundamentales para las big bands como la orquestación por secciones, al dividir las líneas melódicas entre los metales y las maderas. No menos importante fue su trabajo sobre el concepto de riff y el posterior establecimiento de lo que sería la formación básica de una Big Band: 3 trompetas, 2 trombones, 4 maderas) y la sección rítmica con piano, guitarra, contrabajo y batería. Con Redman y Armstrong, la orquesta de Fletcher Henderson, se convirtió en la primera big band importante de la historia.
En 1927, la orquesta ya no contaba con Armstrong y Redman abandonó la orquesta para irse con la orquesta “McKinney’s Cotton Pickers” de Detroit. Un fatal accidente de coche de Henderson afectó el desarrollo de la orquesta de tal manera que se vio obligado a disolverla temporalmente.
Sus textos describen la trayectoria musical y vital de un músico que fue catalizador de hallazgos fundamentales en la evolución de la Big Band, pero que fue incapaz de rentabilizarlos a lo largo de toda su carrera. Sus composiciones, su música, y sus arreglos contribuyeron al éxito de Benny Goodman, coronado entonces por el público y la crítica como “El rey del swing” mientras que él se veía incapaz de mantener económicamente a su propia orquesta.

Datos curiosos:

  • Su compañero de piso durante los años de la universidad tocaba el piano en una orquesta y a veces Henderson tenía que cubrirle
  • Hizo venir de Chicago a Louis Armstrong, que en aquel tiempo solo era un joven cornetista que había tocado con la banda del maestro King Oliver
  • Su padre fue liberado de la esclavitud a la edad de 6 años.
  • Por problemas económicos causados por la Gran Depresión, tuvo que vender sus partituras a Benny Goodman
  • Fletcher Henderson, murió en medio del desinterés general por su música. Paradójicamente, la más importante recopilación discográfica hecha sobre la obra de Henderson se titula “Un estudio sobre la Frustración” (Columbia 1962).

¿Cómo definir su música?

  • virtuosa
  • escondida
  • d’ensamble
  • novedosa

Le reconocerás por…

  • su piano
  • su elegancia
  • por ser el primer hombre negro a tocar en una Big Band de blancos

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SWEET EMMA BARRETT
Pianista y vocalista. [1897-1983]
«BELL GAL»

“Probablemente fue el mejor ejemplo de lo que es un pianista de banda”- Allan Jaffe, dueño de la Preservation Hall Jazz Band.
Nació el 25 de marzo de 1897 en Nueva Orleans. A pesar de las restricciones de género de la época, llegó a destacar como una de las primeras músicos femeninas de jazz. Aprendió de manera autodidacta a tocar el piano, desde los 7 años. Hizo su primera aparición como cantante y pianista en 1923, en la Original Tuxedo Orchestra, en la que todos los integrantes eran hombres y mayores que ella; trabajó con ellos hasta 1936.
Tras un periodo de inactividad, en 1946 volvió a tocar en público, en el club Happy Landing.
Hasta los 60, no fue escuchada por una audiencia que apreciase su talento. En 1961, con la edad de 64 realizó su debut discográfico con el álbum Riverside Récords, gracias a la serie Nueva Orleans: The Living Legends. Además, en ese año fue contratada por Allan Jaffe, el creador del Preservation Hall Jazz Band, para formar parte de dicho proyecto, convirtiéndose así en su pianista. Gracias a esto realizó giras mundiales, y tuvo una breve aparición en la película The Cincinnati Kid (1965). A pesar del éxito internacional siempre se sintió mucho más cómoda en su ciudad natal, concretamente en el barrio francés, una zona de gran riqueza musical debido a su gran mezcla cultural. En 1963 sacó el álbum The Bell Gal & Her Dixieland Boys con la colaboración de Emanuel Sayles (banjo), Placide Adams (bajo) Paul Barbarin (batería), y cuatro canciones con Alvin Alcorn (trompeta), Jim Robinson (trombón) y Louis Cottrell, Jr. (clarinete); y otras cuatro con Don Albert (trompeta) Frog Joseph (trombón) Raymond Burke (clarinete).
En 1967 sufrió un derrame cerebral que le paralizó el lado izquierdo del cuerpo, lo cual no le impidió seguir tocando el piano con una mano, marcando el ritmo con su pierna derecha, y cantando, hasta su muerte, en 1983.

Datos curiosos:

  • AUTODIDACTA: aprendió a tocar el piano por sí misma con un estilo propio.
  • Su primera aparición en público fue a la edad de 12 años.
  • Trabajó como pianista y vocalista en la Preservation Hall Jazz Band en Nueva Orleans.
  • BELL GAL: la llamaban así porque llevaba una liga con cascabeles en su pierna, con la que marcaba el ritmo.
  • Hizo su debut discográfico a los 64 años, gracias a la serie New Orleans: The Living Legends de Riverside Records.
  • Sufrió un derrame cerebral que le paralizó el lado izquierdo del cuerpo, lo cual no le impidió seguir cantando, tocando el piano con una mano, y tintineando las campanillas.

¿Cómo definir su música?

  • ESTILO DIXIELAND: en este estilo de música tocan todos a la vez menos en los solos, así los músicos aprovechan para descansar. Es una improvisación colectiva y espontánea.
  •  GRAN INFLUENCIA DE LOS CANTANTES DE BLUES
  •  HUMOR en las letras de las canciones

Le reconocerás por…

  • El cascabel unido a una liga en la pierna, marcando el ritmo en su música
  • Su gorro rojo en todas sus actuaciones
  • Su estilo alegre al tocar el piano

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LOUIS ARMSTRONG
Satchmo – Pops
Brillante trompetista, cantante, artista… gran legado. [1901-1971]

Nació en Nueva Orleans, cuna del jazz, hacia el año 1900 en el barrio de Storyville, donde se concentraba buena parte de la vida nocturna de la ciudad y ofrecía mucha música en directo, propiciando que el ragtime evolucionase en el primer jazz. De familia muy humilde, fue abandonado por su padre y criado por una madre que se dedicaba periódicamente a la prostitución. Los recuerdos menos turbios de su infancia se ubican en la temporada que tuvo que trasladarse con su abuela, Josephine Armstrong, la única persona que, según él, se esmeró en darle una cuidada educación con un profundo cariño.
De niño le encantaba detenerse a escuchar las bandas que frecuentaban su distrito y se esforzaba por reconocer las peculiaridades tímbricas de los instrumentos.
Trabajó para algunos destacados líderes de las bandas de aquellos años, que solían ser contratados por los mafiosos que dominaban la vida nocturna y debían asegurar buenas dosis de diversión.
Antes de 1920 ya era un músico activo en Storyville, y alrededor de 1930 ya era considerado un instrumentista brillante: se estaba convirtiendo en una gran estrella de la música popular americana. Recibió las enseñanzas y consejos de King Oliver, brillante cornetista, conocido por sus aportaciones al primer jazz. Se incorporó como segundo cornetista a su banda, la Creole Jazz Band, lo que le permitió llegar a Chicago en el “primer éxodo del jazz”, con el que llegaron otros músicos del Sur de EEUU para trabajar en sus salones de baile.
En Chicago realizó sus primeras grabaciones y adquirió una buena reputación. Permaneció allí entre 1922 y 1924, colaborando también en las grabaciones impulsadas por el pianista Clarence Williams, también director musical, del catálogo de músicos negros que trabajaban para el sello discográfico Okeh. Chicago sentó las bases del éxito de Armstrong y fue la antesala de un segundo encuentro crucial en la carrera de Louis: Fletcher Henderson, un reputado director de orquesta de Nueva York.
Henderson concedía gran importancia a los arreglos instrumentales y al sonido colectivo (en contraposición con el estilo de Nueva Orleans, que fomentaba la individualidad de los solistas), por lo que era de vital importancia que Louis aprendiese a leer música. En la orquesta sería relegado a un segundo plano, pero en ese tiempo cambió de la corneta a la trompeta y en 1925 regresó a Chicago tras convertirse ya en un músico famoso.
Clarence Williams le abriría las puertas de Okeh para grabar. Estas grabaciones impulsaron el ascenso meteórico de Pops. Grabaría el 12 de noviembre de 1925 como líder de sus Hot Five (Armstrong a la trompeta, Johnny St Cyr a la guitarra, Johnny Dodds al clarinete, Kid Ory al trombón y Lil Hardin Armstrong) y serían los primeros latidos de su carrera en solitario. 1925 fue un año decisivo para la evolución del primer jazz.
La primera etapa del quinteto renovarían el estilo de Nueva Orleans, siendo su principal aportación poner en un primer plano la figura del solista: Armstrong se alejaba .del concepto de música colectiva, las grandes individualidades no tardarían en convertirse en un elemento inseparable del jazz. En sus grabaciones incluiría composiciones extraídas de los conciertos de variedades (obras firmadas por blancos) que lo alejaban de las composiciones afroamericanas.
Se estaba convirtiendo en una gran estrella de la música popular americana. Su carrera en broadway le haría participar en el cine y en el mundo del espectáculo en general. Actuaba mucho, tanto que tenía problemas para cicatrizar las heridas de sus labios. Pero a pesar de todo seguía triunfando, también en Europa, e incluso participó en los dibujos de Betty Boop actuando en un dúo con la heroína.
Pasó por un momento de sensación de estancamiento y decidió fijar su residencia en París, donde era tratado como una estrella, siendo constantemente invitado a actos sociales y culturales. El jazz había entrado de lleno en la era dorada del swing, reinaban las orquestas de Count Basie, Jimmy Lunceford, Duke Ellington, Tommy Dorsey y Glenn Miller. En el fondo de toda esa gran música latía con fuerza la influencia de Armstrong y nadie dudaba en reconocerlo abiertamente.
Comenzaría a adaptar canciones procedentes de la música popular, también al servicio de los intereses comerciales (como “la cucaracha”), pero sin caer en lo fácil, con gracia y talento. A continuación vendrían años de trabajo intenso. Directores de cine como Orson Welles mostraron su interés para que colaborase, esto fructificaría en Cabin in the sky, de Minnelli.
Y aunque su vida no estuvo marcada por los excesos, dejó de fumar a una edad prudente, gustaba de tomar algunos whiskyes al día y mantuvo una larga relación con la marihuana. Su principal problema residía en la dieta: siempre había disfrutado comiendo y gustaba de hacerlo en exceso. Sus gustos pocas veces se alejaron de los platos elevados de colesterol, que tradicionalmente alimentaban a la gente más pobre de Nueva Orleans.
A mediados de los 60 era un enfermo cardiaco crónico que no dejaría de sufrir episodios de crisis. En 1971 su estado era muy delicado, pero se había comprometido a realizar unas actuaciones en el Waldorf Astoria. Aquel contrato le apetecía y, cuando su médico le advirtió que podría morir durante la actuación, este le respondió que no le importaba, que toda su vida, su alma y su espíritu estaban en soplar la trompeta.

Datos curiosos:

 

  • La primera oportunidad que tuvo de familiarizarse con la trompeta fue gracias a acabar en el reformatorio tras una travesura. En noche vieja, para acompañar a los petardos, había gente que disparaba su pistola al aire. Louis lo hizo sin darse cuenta de que un policía le observaba… En la institución recibió la instrucción de corneta y participó en la banda del centro.
  • Fue el inventor del scat. Ocurrió mientras, grabando con los Hot Five la canción de “Heebie Jeebies”, se le cayó del atril la hoja donde tenía escrita la letra de la canción y tuvo que improvisar unas cuantas onomatopeyas para seguir la grabación ya que por aquel entonces los estudios de grabación eran muy caros.
  • Tras ver un documental sobre la guerra, escribió una de sus canciones más famosas “Wonderful World”.
  • El 23 de diciembre de 1955 vino a tocar a España en el teatro Windsor de Barcelona. Realmente tenía que haber tocado el día anterior, pero por problemas meteorológicos su avión no salió de Italia hasta el 23, día en el que le pidieron que hiciera 3 pases a los cuales en un principio se opuso, pero le sirvieron una paella exquisita entre los dos primeros pases y finalmente accedió a tocar el tercero.
  • En 1964, Armstrong grabó el que sería su tema más vendido: «Hello, Dolly». La canción obtuvo el puesto número uno en las listas de Estados Unidos, superando al grupo inglés The Beatles. Armstrong también obtuvo por el disco un premio Grammy al Mejor Cantante masculino y fue nominado a Mejor Disco del año. En este álbum se encuentra, también, otro tema clásico de Armstrong: «Jeepers Creepers».
  • Fue criticado por aceptar el título de «King of The Zulus» en el Mardi Gras de 1949 (en la comunidad afroamericana de Nueva Orleans, era un título honorífico para el jefe del carnaval negro Krewe, pero que resultaba desconcertante y ofensivo para los foráneos por su vestido tradicional de falda verde y maquillaje de negro intentando satirizar las actitudes sureñas blancas). A pesar de estas críticas, y otras por tocar ante audiencias segregadas, Louis Armstrong fue un apoyo financiero muy importante para el Dr. Martin Luther King Jr. y para otros activistas por los derechos civiles, aunque siempre prefirió trabajar en esos asuntos de forma muy discreta, sin mezclar sus ideas políticas con su trabajo como artista.
  • A Armstrong se le considera el inventor de la esencia del canto jazzístico. Tenía una voz extraordinariamente peculiar, grave y rota, que desplegaba con gran destreza en sus improvisaciones, reforzando la letra y la melodía de una canción con propósitos expresivos.
  • Louis fue consumidor de cannabis y marihuana durante buena parte de su trayectoria musical. En 1954 se publicó una de sus biografías, la cual fue censurada por su editor: todas las partes sobre la marihuana se retiraron. Prometió escribir una segunda parte, pero nunca llegó a terminarla. Pese a todo, en 1971 poco antes de morir, accede a sentarse con Max Jones y hablar sobre el tema. Dice que se vio obligado a tener que dejar la marihuana a pesar de sus beneficios medicinales.
  • Le llamaban Satchmo, contracción de Satchel Mouth (boca de cartera/bolsa) por la forma que adquirían sus labios al tocar la trompeta.
  • Los músicos cercanos y amigos le llamaban Pops, que era como solía llamarles él, salvo a Pops Foster, al que siempre llamaba George.
  • Fue embajador mundial de la cultura americana.
  • Su funeral fue retransmitido vía satélite y unas 25000 personas desfilaron ante su ataúd por mediación directa del presidente de la nación.
  • ¿Cómo definir su música?
    Sus líneas melódicas tenían un lenguaje propio – Cuidadosa elección de notas – Adaptó la música popular renovándola a partir de un profundo conocimiento de la tradición.

    Le reconocerás por…
    Por el sonido impecable de su trompeta, su dominio del vibrato, su inconfundible voz, su uso del scat y el desenfado característico de sus “hot jazz”.

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